САЛОННОЕ ИСКУССТВО, салонно-академическое искусство - консервативное направление в художественной культуре Европы и Америки 19 - нач. 20 в.; название получило благодаря поддержке его со стороны жюри парижских салонов. Общие признаки салонного искусства: эклектизм творческого метода, опирающегося прежде всего на нормы академизма 19 в. и позднего (академического) классицизма, использующего в то же время внешне воспринятые методы и приемы романтизма, позднее - реализма и натурализма: эффектная красивость композиции и однозначность содержания (при развитой сюжетности, часто граничащей с анекдотизмом); прямолинейность трактовки значительных тем; формальная завершенность, ремесленно-техническая виртуозность и "сделанность" фактуры, имитирующая художественное мастерство; патетика, экзальтация и слащавая идеализация образов; потакание художественной моде и вкусам массового (обывательского и буржуазного) зрителя; откровенная развлекательность, эротика и уход от социальной проблематики; агрессивное неприятие всего новаторского в искусстве и стремление навязать свое понимание "хорошего вкуса"; коммерциализация художественного творчества.
САНГИНА - (фр. sanguine, от лат. sanguis - кровь), сангин - материал и инструмент для рисования в виде палочки-карандаша без оправы. Натуральным кроваво-красным минералом рисовали еще на стенах пещер в эпоху палеолита. В эпоху Возрождения в Европе применялась натуральная сангина - т. н. красный мел. В настоящие время сангина изготовляется из каолина и оксидов железа с введением небольшого количества клеящих веществ. Сангина принадлежит к инструментам рисования, которые дают мягкую красочную линию (уголь, итальянский карандаш). Красивый (от красноватого до темно-коричневого и фиолетового) теплый мягкий цвет Сангина издавна используется при рисовании обнаженного тела. Сангина дает возможность применять растушку, штрихи различной интенсивности, разнообразные пятна, т. к. штрих легко растирается. Сангина не требует фиксации. Детально разработанные рисунки сангины первоклассных мастеров (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Питер Пауэл Рубенс, Антуан Ватто, Оноре Фрагонар) отличаются богатой тональной вибрацией. В 18 в. сангина входит в многокрасочную технику "три карандаша", приближающуюся к живописи.
САНКТ-ПЕТЕРБУРГСКОЕ ВЫСШЕЕ ХУДОЖЕСТВЕННО-ПРОМЫШЛЕННОЕ УЧИЛИЩЕ имени В. И. МУХИНОЙ - одно из старейших художественных учебных заведений России; предшественником его было Центральное училище технического рисования барона Штиглица (создано в 1876 г. в Петербурге на средства мецената искусства А. Л. Штиглица). Влилось в 1922 г. в петроградский Вхутеин. В 1945 г. было воссоздано как Ленинградское художественно-промышленное училище; с 1948 - высшее учебное заведение; в 1953 г. присвоено имя В. И. Мухиной. Училище готовит художников высшей квалификации по следующим специальностям: декоративно-прикладное искусство, художественное оформление и моделирование изделий, интерьер и оборудование, промышленное искусство, монументально-декоративное искусство, а также преподавателей рисования и декоративно-прикладного искусства для художественно-промышленных школ. В 1994 г. имелись факультеты декоративно-прикладного искусства, интерьера и оборудования зданий, дизайна. Имеется аспирантура. На 16 кафедрах трудятся свыше 220 преподавателей: 25 профессоров и докторов наук, 61 доцент и 47 кандидатов наук. В училище преподавали такие известные мастера, как П. Д. Бучкин, С. В. Васильков-ский, В. И. Ингал, В. А. Синайский, Р. К. Таурит, Р. Р. Френц, Б. И. Яковлев, Б. А. Смирнов, Г. А. Савинов. Музей декоративно-прикладного искусства насчитывает около 20 тыс. экспонатов.
СВЕТЛОТА цвета- одно из основных качеств цвета: светлота тем выше, чем выше количество отраженного света по сравнению с количеством поглощенного этой же поверхностью цвета. Светлота окрашенных объектов оценивают, сравнивая их с ахроматическими (см. Хроматизм) объектами и оценивая их приближение к белому цвету, отражающему максимум света, и соответственно удаление от черного цвета, поглощающего максимум света.
СВЕТОВЫЕ ОТНОШЕНИЯ - в живописи и графике соотношения света пропорциональные натуре, передаваемые при помощи красок и других изобразительных средств, воспроизводящих свет, глубину пространства, рельеф и т, д. Для нахождения точных световых отношений обычно фиксируются самые темные и самые светлые места будущего произведения, что облегчает определение нужной светосилы и нужного цветового тона в других его местах. В процессе работы над картиной художник наносит краски, постоянно учитывая, насколько каждое новое пятно (мазок) картины темнее самого светлого места и светлее самого темного. Определение светового отношения осложняется тем, что степень светлоты и яркости красок зависит от фона и всей колористической системы произведения.
СВЕТОТЕНЬ (ит., англ. chiaroscuro, фр. clair-obscur, нем. Helldunkel) - градации светлого и темного, распределение различных по яркости цветов, тональных и цветовых оттенков, позволяющее воспринимать объем фигуры или предмета и окружающую их световоздушную среду. Светотень не только выявляет объем предмета, объекта и его расположение в пространстве, характер среды, но и служит важным средством эмоциональной выразительности. В архитектуре, скульптуре, предметах декоративно-прикладного искусства светотень зависит от реального освещения, пластики - выпуклостей, вогнутостей, создающих игру света и тени, их контрастное или нюансное соотношение, а также от гладкой или шероховатой фактуры поверхности. Светотень в живописи и графике передает не только постоянные качества предметного мира, объем, структуру, характер поверхности предмета, но и изменчивость среды, состояния атмосферы.
СВИНЦОВЫЙ КАРАНДАШ - штифт для рисования, вставленный в металлический футляр типа рейсфедера; при нажиме на бумагу оставлял не яркий, но четкий след. Свинцовый карандаш широко применялись в 13-17 вв. для подготовительных набросков портретов. Для рисунка, выполненного свинцовым карандашом, характерна тонкая штриховая манера.
СВЯЗУЮЩЕЕ ВЕЩЕСТВО - вещество, входящее в состав краски и определяющее все ее специальные свойства, за исключением цветового тона, обусловленного пигментом. Главное назначение связующего вещества: скрепляя по высыхании частицы пигмента между собой и с грунтом, создавать связный и устойчивый красочный слой и тем обеспечить сохранность красок. Связующее вещество целиком определяет способы наложения красок и закрепления их на основе, следовательно, технологические виды живописи определяются связующим веществом. Основные связующие вещества: растительное масло, растительный и животный клей, яйцо, воск, смола, в монументальной живописи - известь (известковое молоко); их смеси, комбинации с дополнительными веществами многочисленны, так же как разновидности керамических, силикатных, эмалевых, синтетических красок.
СГРАФФИТО (ит. sgraffito), граффито - технический способ монументальной живописи и декоративной отделки стен, выполняемый в два- три цвета металлическими инструментами. Техника сграффито состоит в процарапывании хорошо высохшей светлой краски, покрывающей темный штукатурный слой, или же в соскабливании нанесенных друг на друга тонких разноцветных слоев штукатурки. Отличаясь четкой графичностью силуэтов, сграффито применяется гл. обр. для исполнения орнаментальных композиций или стилизованных изображений. В керамике техникой сграффито называется соскабливание верхнего глиняного слоя (см. Ангоб).
СЕАНС (фр. seance, букв. - время, проводимое за к.-л. занятием) - время работы художника в пределах одного дня, без длительного перерыва и без перемены модели и задания.
СЕПИЯ (греч. sepia, букв. - каракатица) - прозрачная коричневая краска для рисунков кистью и пером. Натуральная сепия, употреблявшаяся в Европе с сер. 18 в., была жидкой и приготовлялась из чернильного мешка морского моллюска; в 20 в. сепия приготовляется искусственным способом и разводится водой. Натуральная сепия имеет серовато-коричневый тон; искусственная бывает многообразной по цветовым оттенкам.
СЕРЕБРЯНЫЙ КАРАНДАШ - инструмент для рисования: тонкая серебряная проволочка, которая припаивалась к ручке или хранилась в футляре. Серебряный карандаш известен в 13-17 вв. Он имеет красивый темно-серый тон, который со временем приобретает коричневый оттенок. Штрихи серебряного карандаша не стираются, что требует точности рисования им.
СЕРИЯ (лат. series - ряд) - в классическом и современном искусстве, следующем классическим образцам, - то же, что цикл, т. е. ряд произведений станкового искусства, связанных единством замысла (серия, или циклы, гравюр Альбрехта Дюрера, картин "Времена года" Питера Брейгеля и Никола Пуссена и т. д.); как правило, в отношении монументального искусства понятие "серия" не употребляется (скульптурные циклы романских и готических соборов, мозаичные и фресковые циклы). В новейшем искусстве (со времени импрессионизма) серия - группа станковых работ, связанных единством предмета изображения, варьирующих к.-л. частный аспект изображаемого (напр., цветовое решение, освещение либо динамику пространственного восприятия).
СИМВОЛИЗМ (от греч. symbolon - знак, символ) - направление в литературе и искусстве Европы кон. 19 - нач. 20 в. Возникнув как течение французской поэзии, символизм вырабатывает свою эстетическую теорию, принципы которой утверждаются в сфере театра, изобразительных искусств, музыки. Представляя разные стилевые тенденции эпохи (поздний романтизм, академизм, постимпрессионизм, модерн), мастера этого направления были едины в своих представлениях об искусстве как о символе непознаваемых сущностей, мира видений и грез, в своих поисках новых, неаллегорических способов выражения современного эстетического идеала - неуловимых смысловых оттенков и психических состояний. Особенности символизма: суггестивность и многозначность образа, игра метафор и ассоциаций. Символизм возник как реакция на ограниченность позитивистской эстетики, позднего, измельчавшего реализма и натурализма. Под влиянием мистических и спиритуалистических учений, распространившихся под воздействием декадентства, в искусстве символизма формируется новая линия иллюстративности, нарочитой многозначительности и зашифрованности содержания, утрированной экстатичности образов.
СКУЛЬПТУРА (лат. sculpture, от sculpo - вырезаю, высекаю; англ., фр. sculpture, нем. Bildhauerkunst), ваяние, пластика - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют физически материальный, предметный объем и трехмерную форму, размещенную в реальном пространстве. Обычные материалы скульптуры - глина и обожженная глина (керамика - терракота, майолика, фаянс, фарфор и др.), гипс, камень (мрамор, известняк, песчаник, гранит и др.), дерево, кость, металл (бронза, медь, железо и др.). Главный объект скульптуры - человек (голова, бюст, торс, статуя, скульптурная группа); изображения животного мира составляют анималистический жанр скульптуры. В 20 в. средствами пластики иногда воссоздаются природа (пейзаж), предметы (натюрморт); возникла неизобразительная, абстрактная скульптура, использующая нетрадиционные методы и материалы (скульптура из проволоки, надувные фигуры и т. д.). Имеются две разновидности скульптуры: круглая скульптура, свободно размещающаяся в пространстве, и рельеф, в котором объемные изображения располагаются на плоскости. Та и другая разновидности скульптуры разделяются по своему назначению на станковую скульптуру, монументальную скульптуру, монументально-декоративную скульптуру. Технология скульптуры, обычно многоэтапная и сложная, сопряжена с большим физическим трудом. Помимо авторской работы (лепка, резьба, обработка твердых материалов) важную роль в скульптуре играет вспомогательный труд мастеров-ремесленников (рубка камня, формовка, отливка, чеканка и др.).
Ранние формы и виды скульптур существовали у всех народов мира издавна, восходя к первобытному искусству (женские фигуры и рельефы палеолита). Развитые виды скульптуры (гигантские изваяния людей и животных, рельеф, портрет) известны у народов Древнего Востока, Древней Америки. Один из важнейших этапов истории скульптуры - период античности (скульпторы Мирон, Фидий, Поликлет, Прак-ситель, Скопас) с характерными для него идеалами гармонически развитого человека-гражданина, с совершенными методами включения скульптуры в архитектурные ансамбли. Культовая скульптура средних веков в Европе и Азии объединялась с архитектурой в сложные пространственно развитые комплексы. В 15-19 вв. (скульпторы Донателло, Микеланджело, Лоренцо Бернини, Антуан Гудон, Огюст Роден, в России Ф. И. Шубин, М. И. Козловский, И. П. Мартос) Скульптура обретает композиционную свободу, создает разнообразные по психологическим и пластическим концепциям образы человека. В 20 в. скульптуры находят неограниченные возможности обновления ее методов, материалов и функций (мемориальные ансамбли, музеи скульптуры на открытом воздухе и т. д.). Скульпторы 20 в. (Аристид Майоль, Антуан Бурдель, Генри Мур, в России С. Т. Коненков, А. Т. Матвеев, В. И. Мухина, Е. В. Вучетич, Н. В. Томский и др.) значительно расширили круг тем, жанров, изобразительных и выразительных возможностей скульптуры.
СКУЛЬПТОРА МАЛЫХ ФОРМ, мелкая пластика - небольшие произведения, создаваемые скульпторами, изготовляемые художественной промышленностью и народно-художественными промыслами из керамики, металла, кости, камня, стекла или пластмассы и рассчитанные на украшения личного быта. К скульптуре малых форм относятся жанровые статуэтки, настольные портретные изображения, всевозможные виды игрушки, - от народных деревянных и глиняных изделий до промышленной продукции. Центры производства скульптуры малых форм в России - Санкт-Петербургский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова, фарфоровые и фаянсовые заводы в Дулеве, Вербилках, Конакове, Гжели. Известностью пользуются также чугунное литье Каспийского завода на Урале, деревянная резная игрушка с. Богородского Московской обл., глиняная расписная игрушка с. Дымково Кировской обл., костяные изделия мастеров Севера, изделия уральских камнерезов. См. также Мелкая пластика.
СЛЕПОК (фр. moulage), м у-л я ж - точная копия скульптурного оригинала, выполненная механическим способом: с оригинала снимают форму - твердую (гипсовую) или мягкую (восковую, пластилиновую) - и заливают в нее гипс, синтетическую массу и т. п. Слепок используются в музейных экспозициях (Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве был первоначально и частично остался музеем слепков), в качестве учебных пособий, при реставрации и т. д. Слепки часто снимают и с изделий декоративно-прикладного искусства, с медалей, монет, гемм, а также с лиц или рук умерших (иногда живых) людей. См. Маска.
СОЦ-АРТ - одно из наиболее известных направлений искусства 1970-1980-х гг., сложившееся в СССР в рамках т. н. альтернативной культуры, противостоявшей государственной идеологии тех лет. Сформировавшись в нач. 1970-х гг., соц-арт стал своеобразной идейной и эстетической реакцией на тотальное засилье официальной пропаганды в культуре тех лет. Иронически используя и гротескно перерабатывая расхожие символы и лозунги коммунистической пропаганды и агитации, соц-арт развенчивал в игровой, часто эпатирующей форме их истинный смысл, раскрепощая тем самым восприятие зрителя от идеологических стереотипов. Гротеск, ирония, острые подмены и свободное цитирование любых пластических приемов и стилей стали основой его броского, намеренно эклектического художественного языка, во многом совпадавшего с методами бурно развивавшегося в те же годы постмодернизма.
Пародийный термин "соц-арт", буквально обозначавший социалистическое искусство, был рожден основателями движения московскими художниками Виталием-Комаром и Александром Меламидом по аналогии с поп-артом, пародировавшим засилье в капиталистическом обществе рекламных стереотипов материального процветания и обезличивающей массовой культуры. Повальное господство вещевого фетишизма в обществе потребления перекликалось с засильем советского идеологического мифа. Соц-арт не выступал жестко очерченным стилевым направлением с набором обязательных мировоззренческих установок и эстетических догм. Он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находившихся в оппозиции к официальной культуре, но и разрабатывавших в своем творчесте многослойные составляющие ее образной системы и художественного языка. К кругу соц-арта примыкают на протяжении 1970-х гг. Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, позже - группы "Гнездо", "Мухоморы", Григорий Брускин и др. В кон. 1970-х - нач. 1980-х гт. часть художников эмигрирует в Нью-Йорк, где игровые основы соц-арта пополняются языковым арсеналом постмодернизма. Лавинообразная известность обрушилась на соц-арт в годы "перестройки", когда с кон. 1980-х гг. он выходит на международную художественную арену и становится едва ли не символом этого сложного времени. Однако политическая переориентация общества не только вывела соц-арт на орбиту моды, но и предопределила его закат, т. к. содержательная основа его иронических образов стала неактуальной. Значение соц-арта шире практики его приверженцев. Он одним из первых нарушил языковую замкнутость отечественного искусства, свободно соединив раскованность интернационального постмодернизма с пародией на жесткую заданность советской идеологии и ее художественных догм.
СПЕКТРАЛЬНЫЕ ЦВЕТА - семь цветов солнечного спектра, составляющие вместе при оптическом смешении видимый глазом естественный дневной свет: красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый. Расположение спектральных цветов подчинено строгой закономерности. Каждый спектральный цвет через многочисленные оттенки переходит в соседние цвета. Замыкающие спектр фиолетовый и красный цвета переходят в невидимые глазом ультрафиолетовые и инфракрасные зоны.
СТАНКОВАЯ ГРАФИКА - род искусства графики, произведения которого самостоятельны по назначению и форме, не включены в ансамбли книги, альбома или в контекст улицы, общественного интерьера, как плакат, не имеют прикладного назначения, как промышленная графика. Основные виды станковой графики - станковый рисунок и станковый лист печатной графики (эстамп). Основные формы бытования станковой графики - музейные и выставочные коллекции и экспозиции, развеска на стенах общественных и жилых интерьеров.
СТАНКОВАЯ ЖИВОПИСЬ -род живописи, произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от окружения. Основной формой станковой живописи издавна является картина, отделенная рамой от окружающей обстановки. Предшественниками картины были почти не сохранившаяся древнегреческая станковая живопись на досках (пинакс), иногда на холсте, а также имевшие сакральное значение эллинистические и римские портреты (наиболее сохранившийся вариант их - погребальный фаюмский портрет). С античной традицией поначалу связаны христианские иконы - религиозная станковая живопись; однако в ходе развития живописи средних веков иконы объединяются в монументальные ансамбли алтарных преград, иконостасов и алтарей, получая смысловое и декоративное единство. В 14-16 вв. формируются относительно самостоятельные типы картины, долгое время еще связанные с ансамблем храмовых, дворцовых и домашних интерьеров. Лишь в 17 в. (особенно в Голландии) складываются и в кон. 18-19 в. окончательно вырабатываются нормы собственно станковой живописи , требующие полного погружения зрителя в мир картины и освобождающие ее от дидактических и декоративных функций. В кон. 19-20 в. вновь оживает интерес к монументальным и декоративным качествам станковой живописи.
СТАНКОВАЯ СКУЛЬПТУРА - род скульптуры, одна из важнейших областей станкового искусства:
Станковая скульптура включает различные виды скульптурной композиции (голова, бюст, поясное или трехчетвертное изображение, фигура, группа), различные жанры (портрет, сюжетная, символическая или аллегорическая композиция, анималистика - изображение животного мира). В последние десятилетия 20 в. в скульптуре возникли ранее не свойственные ей жанры - натюрморт и пейзаж (чаще всего в керамической пластике); появились новые формы станковой скульптуры - абстрактные композиции, объекты, находящиеся на грани предмета, технической конструкции и скульптуры. В станковой скульптуре используются различные технические методы - лепка, высекание, резьба, литье, выколотка, ковка, чеканка, сварка, применяются разнообразные материалы - камень, металл, дерево, глина, гипс, керамика, стекло, пластилин, воск, синтетические полимерные составы. В композицию могут также вводиться готовые объекты, заимствованные из бытового окружения или технической сферы.
Станковая скульптура как культового, так и светского характера известна с древности: она была распространена в искусстве Древнего Востока и античности (портрет, вотивная скульптура, мелкая пластика). В Новое время под станковой скульптурой стали подразумевать произведения, предназначенные для выставок, музеев, общественных и жилых интерьеров (в 19 в. возникло понятие "кабинетная скульптура") и для продажи на художественном рынке. Станковая скульптура рассчитана на восприятие с близкого расстояния, не связана с предметным окружением и архитектурой конкретного интерьера, она предполагает продолжительный контакт со зрителем, побуждает его к сопереживанию. Обычный размер станковой скульптуры меньше натуральной величины, равен ей или немного ее превышает. Станковой скульптуре свойственны повествовательность, психологизм, часто используется язык метафоры и символа. В силу относительной независимости от окружающей предметной среды и архитектур ной ситуации, а также благодаря разнообразию и мобильности используемых технических приемов станковой скульптуры может иметь ярко выраженный экспериментальный характер. В ней легко воплощаются новые идеи, всесторонне проявляются особенности индивидуальности автора. В 20 в. станковая скульптура, расширяя свои видовые и жанровые границы, сближается с живописью, декоративно-прикладным искусством, архитектурой и театром.
СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО (от "станка", на котором создаются произведения станкового искусства, - мольберт, скульптурный станок) - произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер, свободные от прямых утилитарных функций и не предназначенные для вхождения в ансамбль в качестве его составной и неотъемлемой части. Произведения станкового искусства рассматриваются обособленно от окружения, их значение не меняется от места, где они находятся, хотя условия экспонирования и освещения могут способствовать или препятствовать полному раскрытию их качеств. Развитие станкового искусства впервые стало важным условием расцвета художественной культуры в эпоху Возрождения, с распадом универсальных комплексов, характерных для средних веков, формированием новых типов произведений искусства, рассчитанных на непосредственное, личностное, интимное их восприятие и на новые формы их бытования (общественный и домашний интерьер, коллекция, позже музей). В 17-20 вв. станковое искусство с его психологизмом, многогранностью и богатством нюансов стало основным родом художественного творчества, определяющим его воздействие и общественную роль, в т. ч. связь .с художественным рынком, возможность работы для ценителя и покупателя, а затем и расчет на выставочную и музейную экспозицию.
СТАНОК скульптурный - приспособление для работы скульптора: стол на 3-4 ножках (высоту его можно менять) с круглым или квадратным поворотным щитом, вращающимся на вертикальной оси или на роликах, на котором располагается создаваемое (чаще всего способом лепки) произведение круглой скульптуры. Поворачивая перед собой доску, скульптор получает возможность менять освещение будущего произведения и непрерывно корректировать его выразительность и его восприятие с разных точек зрения.
СТАТУЭТКА (фр. statuette) - вид мелкой пластики, фигура намного меньше натуральной величины ("кабинетный размер"), служащая для украшения интерьера.
СТАТУЯ (лат. statua) - значительное по размерам произведение круглой скульптуры, изображающее, как правило, человеческую фигуру в рост, реже - другие реальные или воображаемые существа (напр., статуя зооморфного божества, статуя животного). Статуя размера настольной скульптуры называется статуэткой, Статуя огромной величины - колоссом; последний термин употребителен лишь в связи с историей искусства. Конная статуя изображает всадника верхом. Статуя - наиболее распространенный тип памятника.
СТИЛИЗАЦИЯ (фр. stylisation, от style - стиль) - 1) декоративное обобщение изображаемых фигур и предметов с помощью условных приемов, упрощения рисунка и формы, цвета и объема. Стилизация - необходимый и естественный метод в декоративном искусстве, плакате, монументальной живописи, силуэтной графике, прикладной графике и других видах искусства, требующих декоративной ритмической организации целого. Особенно важную роль стилизация играет в орнаменте, где фигуры и предметы превращены в мотивы узора. В станковое искусство стилизация вносит черты декоративности;
2) имитация образной системы и формальных особенностей одного из стилей прошлого, использованных в новом художественном контексте. Стилизация обусловлена стремлением освоить и представить в новом качестве своеобразные черты культур, далеких исторически или географически, в отличие от буквального перенесения мотивов в новый художественный контекст (см. Эклектика), С. подразумевает глубокую переработку этих мотивов и сохранение лишь их внутренней сути, являясь знаком, символическим намеком на первоисточник.
СТИЛЬ (лат. stilus, stylus, от греч. stylos - остроконечная палочка для письма на восковых дощечках) - устойчивое единство художественной образной системы, выразительных средств искусства. Уже в латинском языке слово "стиль" имело и более широкое значение - склад речи, слог, манера, особенности письма и т. п. В современной научной терминологии оно имеет обширный диапазон применения - от обозначения индивидуальной манеры художника ("стиль Пуссена", "стиль позднего Рембрандта"), характеристики признаков к.-л. группы памятников или художественного направления внутри исторического периода (геометрический стиль росписей греческой керамики 9-8 вв. до н. э., мягкий стиль поздней готики) до трактовки понятия стиля как суммы устойчивых признаков, характеризующих образную и формальную структуру, свойственную искусству той или иной исторический эпохи (романский стиль, готика, барокко, классицизм и т. д.). Теория стиля как художественно-исторической категории была разработана в кон. 19 - нач. 20 в. Генрихом Вёльфлином и Алоизом Риглем, понимавшими стиль прежде всего как формальную структуру и рассматривавшими смену стиля как один из высших принципов исторического развития искусства. Эта теория внесла системность в изучение стиля и в то же время абсолютизировала его типологические формальные признаки; она не только не исчерпала проблему стиля, но и была искусственно наложена на живой, сложный и противоречивый процесс художественного развития.
Стиль как устойчивая совокупность образных, художественных принципов наиболее отчетливо и последовательно проявляется в те художественно-исторические эпохи и в тех течениях, где исторически сложилась система синтеза искусств, их мировоззренческого и образно-художественного единства. Основой такого синтеза обычно является архитектура, в то время как живопись, скульптура, предметы декоративного искусства подчиняются архитектонике здания, расширяя и обогащая его архитектурный образ (напр., искусство Древнего Египта, романский стиль, готика, барокко, классицизм, рококо, где стилистическое единство выражено очень четко и определяется характером архитектуры). Однако стилистическое единство такого рода оказывается не столь очевидным в те художественно-исторические эпохи, когда изобразительное искусство приобретает самостоятельное, отдельное от архитектуры существование, и их взаимоотношения определяет принцип равноправного развития, а не подчинения, напр. в искусстве античности или Возрождения. Эта размытость стилевых категорий может усугубляться и тем, что в ряде случаев выделяются крупные пласты культуры и местные школы, имеющие ярко своеобразные стилевые черты (александрийская, аттическая, пергамская школы эпохи эллинизма, флорентийская, венецианская, умбрийская школы эпохи Возрождения и т. п.). С возрастанием начиная с эпохи Возрождения роли художественной индивидуальности огромное значение имеет личный стиль мастера, а общие стилистические категории, объединяющие, напр., стиль Рафаэля, Микеланджело и Тициана, становятся очень широкими и суммарными. Даже в пределах стиля, более жестко детерминированного совокупностью формальных признаков, напр. в искусстве барокко, яркая художественная индивидуальность постоянно нарушает эти формальные границы стиля, выходя за его пределы. С 17 в. развитие европейского искусства не подчиняется нормам единого стиля: одновременно существуют, находясь в сложной взаимосвязи, классицизм и барокко. Творчество таких художников, как Диего Веласкес или Рембрандт, не укладывается в рамки ни одного стиля, хотя и соприкасается с ними. В 18 в. почти одновременно развиваются позднее барокко, рококо и классицизм. В искусстве 19-20 вв. стилистическое единство окончательно распадается, и развитие искусства определяется сложным взаимоотношением творческих индивидуальностей и художественных течений (романтизм, реализм, импрессионизм, кубизм, абстракционизм, сюрреализм и т. п.), имеющих свои стилевые признаки. Попытка воссоздания в кон. 19 - нач. 20 в. единого стиля (модерн) дала недолговечные и противоречивые результаты, но послужила толчком для поисков новых вариантов "современного стиля" 20 в. В теории стиля существует тенденция исследования искусства кон. 19 - 20 в. с точки зрения стилевых категорий, придав понятию "стиль" более широкое значение ("стиль эпохи") и определив его как совокупность тех общих черт, которые отличают культуру одной исторической эпохи от другой.
СТУДИЯ (ит. studio - старание, изучение) - 1) помещение (мастерская, ателье) для работы живописца, скульптора, фотографа; 2) самостоятельное учебное заведение для подготовки живописцев и скульпторов (студии Гюстава Моро и А. П. Боголюбова в Париже; студия К. Ф. Юона в Москве и др.); некоторые частные учебные заведения - студии назывались академиями (во Франции 19-20 вв., напр., академии Жюлиана, Сюисса, Колоросси) и школами (в Германии или России - школа Антона Ажбе в Мюнхене, школа-студия Е. Н. Званцевой в Москве и Петербурге); 3) творческая организация и одновременно школа, созданная для реализации определенных художественных задач, объединяющая мастеров по признаку единства идейно-художественных принципов (напр., студия военных художников им. М. Б. Грекова в Москве).
СУПЕРОБЛОЖКА (англ. jacket, фр. jaquette, нем. Schutzumschlag) - обложка из плотной бумаги, надеваемая на переплет книги и закрепляемая на нем с помощью боковых клапанов; обычно отличается декоративностью, броскостью, дает первое впечатление о книге; нередко суперобложка покрывается лаком или прозрачной синтетической пленкой. Суперобложка содержит информацию о книге: частично повторяет титульный лист, либо дает краткую аннотацию книги, рекламное сообщение и т. д.
''СУРОВЫЙ СТИЛЬ'' - обозначение в советской художественной критике направления в советском искусстве кон. 1950-х - нач. 1960-х гг.:
"суровой стиль", оставаясь продолжением традиции сюжетно-тематической картины, резко изменил ее установленное в рамках социалистического реализма содержание. Живописцы "сурового стиля" (Н. И. Андронов, А. В. Васнецов, Г. М. Коржев, В. И. Иванов, П. Ф. Никонов, Т. Т. Салахов) обратились к поэтизации и героизации жизни простых людей, их трудовых будней, подчеркивая энергию, волю и драматизм судьбы своих современников или старших поколений. Для "сурового стиля" характерны монументализированные композиции, обобщенные, лаконичные формы, энергичный ритм, крупные цветовые пятна. Сходные устремления проявились в скульптуре (Д. М. Шаховской, Ю. В. Александров) и графике (И. В. Голицын, Г. Ф. Захаров).
СУХАЯ ИГЛА (англ. dry-point, фр. pointe-seche, нем. Kaltnadel) - вид техники гравирования: рисунок процарапывается иглой на металлической доске. Для сухой иглы характерна особая бархатистость штрихов, благодаря заусеницам ("барбам"). Сухая игла известна с кон. 15 в. как дополнение к офорту, но как самостоятельная техника распространена с 19 в. К технике сухой иглы прибегали Альбрехт Дюрер, Рембрандт, Джеймс Уистлер, советские мастера Г. С. Верейский, Д. И. Митрохин и др.
СФУМАТО (ит. sfumato - затуманенный, дымчатый) - в живописи и графике итальянского Возрождения (от Леонардо да Винчи, разработавшего этот живописный прием) мягкость моделировки, неуловимость предметных очертаний, ощущение воздушной среды как результат богатства и тонкости градаций светотени.
СЮЖЕТ (фр. sujet - предмет; англ. subject) - в изобразительном искусстве событие, ситуация, изображенные в произведении и обычно обозначенные в его названии;сюжет представляет конкретизацию темы, ее композиционную проработку, определение коллизии, характера персонажей и их взаимоотношений; при этом идея и тема произведения находят образное повествовательное раскрытие. Сюжет характерен для произведений исторического, батального, бытового жанров, но элементы повествования, сюжетная завязка могут быть и в произведениях других жанров (в портрете, пейзаже).
СЮРРЕАЛИЗМ (фр. surrealisme - сверхреализм) - направление в литературе и искусстве 20 в., сложившееся в 1920-х гг. Формирование сюрреализма связано с деятельностью ассоциации писателей и художников, возникшей в Париже в 1919 г. и первоначально примыкавшей к дадаизму. В издававшихся объединением журналах "Литература" (1919-1924) и "Сюрреалистическая революция" (1924- 1929) разрабатывалась программа направления. В 1924 г. вышел первый "Манифест сюрреализма", написанный поэтом и идейным лидером движения Андре Бретоном. Сюрреалисты, опираясь на учение Зигмунда Фрейда, считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя в грезах, сновидениях, галлюцинациях, внезапных озарениях, автоматических действиях. В целях достижения глубин подсознания, творящего "сверхреальность", художники изобретали специальные приемы "психического автоматизма", спонтанного формопорождения (случайные блуждания карандаша по бумаге, декалькомания, фюмаж, фроттаж). Сюрреалистическая программа в искусстве осуществлялась в основном по двум направлениям. Макс Эрнст, Андре Масон, Джоан Миро вводили бессознательное начало в творческий процесс: в их живописи преобладают свободно текущие образы, произвольные формы, нередко переходящие в абстракцию. Сальвадор Дали, Рене Магритт, Поль Дельво, Ив Танги, напротив, стремились с иллюзорной точностью, "правдоподобием", воспроизвести ирреальный образ, возникающий в подсознании. Их картины отличаются гладкой, тщательной манерой письма, характерной для академической живописи. Языком фигуративного искусства создается образ немыслимый, невозможный в реальности: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, одна и та же конфигурация расслаивается на несколько изображений, несовместимые объекты сливаются друг с другом, формы сплетаются, скручиваются, выворачиваются. Взгляд, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок. Общие особенности искусства сюрреализма : фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов. Возникнув во Франции, сюрреализм, возглавленный Сальвадором Дали, скоро приобрел международное значение. Время его существования охватывает несколько десятилетий. Интерес к раннему сюрреализму, его идеологии и художественной практике усилился в конце 1960-х гг. в связи с подъемом новой волны авангардизма, а позже с развитием постмодернизма.
САНГИНА - (фр. sanguine, от лат. sanguis - кровь), сангин - материал и инструмент для рисования в виде палочки-карандаша без оправы. Натуральным кроваво-красным минералом рисовали еще на стенах пещер в эпоху палеолита. В эпоху Возрождения в Европе применялась натуральная сангина - т. н. красный мел. В настоящие время сангина изготовляется из каолина и оксидов железа с введением небольшого количества клеящих веществ. Сангина принадлежит к инструментам рисования, которые дают мягкую красочную линию (уголь, итальянский карандаш). Красивый (от красноватого до темно-коричневого и фиолетового) теплый мягкий цвет Сангина издавна используется при рисовании обнаженного тела. Сангина дает возможность применять растушку, штрихи различной интенсивности, разнообразные пятна, т. к. штрих легко растирается. Сангина не требует фиксации. Детально разработанные рисунки сангины первоклассных мастеров (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Питер Пауэл Рубенс, Антуан Ватто, Оноре Фрагонар) отличаются богатой тональной вибрацией. В 18 в. сангина входит в многокрасочную технику "три карандаша", приближающуюся к живописи.
САНКТ-ПЕТЕРБУРГСКОЕ ВЫСШЕЕ ХУДОЖЕСТВЕННО-ПРОМЫШЛЕННОЕ УЧИЛИЩЕ имени В. И. МУХИНОЙ - одно из старейших художественных учебных заведений России; предшественником его было Центральное училище технического рисования барона Штиглица (создано в 1876 г. в Петербурге на средства мецената искусства А. Л. Штиглица). Влилось в 1922 г. в петроградский Вхутеин. В 1945 г. было воссоздано как Ленинградское художественно-промышленное училище; с 1948 - высшее учебное заведение; в 1953 г. присвоено имя В. И. Мухиной. Училище готовит художников высшей квалификации по следующим специальностям: декоративно-прикладное искусство, художественное оформление и моделирование изделий, интерьер и оборудование, промышленное искусство, монументально-декоративное искусство, а также преподавателей рисования и декоративно-прикладного искусства для художественно-промышленных школ. В 1994 г. имелись факультеты декоративно-прикладного искусства, интерьера и оборудования зданий, дизайна. Имеется аспирантура. На 16 кафедрах трудятся свыше 220 преподавателей: 25 профессоров и докторов наук, 61 доцент и 47 кандидатов наук. В училище преподавали такие известные мастера, как П. Д. Бучкин, С. В. Васильков-ский, В. И. Ингал, В. А. Синайский, Р. К. Таурит, Р. Р. Френц, Б. И. Яковлев, Б. А. Смирнов, Г. А. Савинов. Музей декоративно-прикладного искусства насчитывает около 20 тыс. экспонатов.
СВЕТЛОТА цвета- одно из основных качеств цвета: светлота тем выше, чем выше количество отраженного света по сравнению с количеством поглощенного этой же поверхностью цвета. Светлота окрашенных объектов оценивают, сравнивая их с ахроматическими (см. Хроматизм) объектами и оценивая их приближение к белому цвету, отражающему максимум света, и соответственно удаление от черного цвета, поглощающего максимум света.
СВЕТОВЫЕ ОТНОШЕНИЯ - в живописи и графике соотношения света пропорциональные натуре, передаваемые при помощи красок и других изобразительных средств, воспроизводящих свет, глубину пространства, рельеф и т, д. Для нахождения точных световых отношений обычно фиксируются самые темные и самые светлые места будущего произведения, что облегчает определение нужной светосилы и нужного цветового тона в других его местах. В процессе работы над картиной художник наносит краски, постоянно учитывая, насколько каждое новое пятно (мазок) картины темнее самого светлого места и светлее самого темного. Определение светового отношения осложняется тем, что степень светлоты и яркости красок зависит от фона и всей колористической системы произведения.
СВЕТОТЕНЬ (ит., англ. chiaroscuro, фр. clair-obscur, нем. Helldunkel) - градации светлого и темного, распределение различных по яркости цветов, тональных и цветовых оттенков, позволяющее воспринимать объем фигуры или предмета и окружающую их световоздушную среду. Светотень не только выявляет объем предмета, объекта и его расположение в пространстве, характер среды, но и служит важным средством эмоциональной выразительности. В архитектуре, скульптуре, предметах декоративно-прикладного искусства светотень зависит от реального освещения, пластики - выпуклостей, вогнутостей, создающих игру света и тени, их контрастное или нюансное соотношение, а также от гладкой или шероховатой фактуры поверхности. Светотень в живописи и графике передает не только постоянные качества предметного мира, объем, структуру, характер поверхности предмета, но и изменчивость среды, состояния атмосферы.
СВИНЦОВЫЙ КАРАНДАШ - штифт для рисования, вставленный в металлический футляр типа рейсфедера; при нажиме на бумагу оставлял не яркий, но четкий след. Свинцовый карандаш широко применялись в 13-17 вв. для подготовительных набросков портретов. Для рисунка, выполненного свинцовым карандашом, характерна тонкая штриховая манера.
СВЯЗУЮЩЕЕ ВЕЩЕСТВО - вещество, входящее в состав краски и определяющее все ее специальные свойства, за исключением цветового тона, обусловленного пигментом. Главное назначение связующего вещества: скрепляя по высыхании частицы пигмента между собой и с грунтом, создавать связный и устойчивый красочный слой и тем обеспечить сохранность красок. Связующее вещество целиком определяет способы наложения красок и закрепления их на основе, следовательно, технологические виды живописи определяются связующим веществом. Основные связующие вещества: растительное масло, растительный и животный клей, яйцо, воск, смола, в монументальной живописи - известь (известковое молоко); их смеси, комбинации с дополнительными веществами многочисленны, так же как разновидности керамических, силикатных, эмалевых, синтетических красок.
СГРАФФИТО (ит. sgraffito), граффито - технический способ монументальной живописи и декоративной отделки стен, выполняемый в два- три цвета металлическими инструментами. Техника сграффито состоит в процарапывании хорошо высохшей светлой краски, покрывающей темный штукатурный слой, или же в соскабливании нанесенных друг на друга тонких разноцветных слоев штукатурки. Отличаясь четкой графичностью силуэтов, сграффито применяется гл. обр. для исполнения орнаментальных композиций или стилизованных изображений. В керамике техникой сграффито называется соскабливание верхнего глиняного слоя (см. Ангоб).
СЕАНС (фр. seance, букв. - время, проводимое за к.-л. занятием) - время работы художника в пределах одного дня, без длительного перерыва и без перемены модели и задания.
СЕПИЯ (греч. sepia, букв. - каракатица) - прозрачная коричневая краска для рисунков кистью и пером. Натуральная сепия, употреблявшаяся в Европе с сер. 18 в., была жидкой и приготовлялась из чернильного мешка морского моллюска; в 20 в. сепия приготовляется искусственным способом и разводится водой. Натуральная сепия имеет серовато-коричневый тон; искусственная бывает многообразной по цветовым оттенкам.
СЕРЕБРЯНЫЙ КАРАНДАШ - инструмент для рисования: тонкая серебряная проволочка, которая припаивалась к ручке или хранилась в футляре. Серебряный карандаш известен в 13-17 вв. Он имеет красивый темно-серый тон, который со временем приобретает коричневый оттенок. Штрихи серебряного карандаша не стираются, что требует точности рисования им.
СЕРИЯ (лат. series - ряд) - в классическом и современном искусстве, следующем классическим образцам, - то же, что цикл, т. е. ряд произведений станкового искусства, связанных единством замысла (серия, или циклы, гравюр Альбрехта Дюрера, картин "Времена года" Питера Брейгеля и Никола Пуссена и т. д.); как правило, в отношении монументального искусства понятие "серия" не употребляется (скульптурные циклы романских и готических соборов, мозаичные и фресковые циклы). В новейшем искусстве (со времени импрессионизма) серия - группа станковых работ, связанных единством предмета изображения, варьирующих к.-л. частный аспект изображаемого (напр., цветовое решение, освещение либо динамику пространственного восприятия).
СИМВОЛИЗМ (от греч. symbolon - знак, символ) - направление в литературе и искусстве Европы кон. 19 - нач. 20 в. Возникнув как течение французской поэзии, символизм вырабатывает свою эстетическую теорию, принципы которой утверждаются в сфере театра, изобразительных искусств, музыки. Представляя разные стилевые тенденции эпохи (поздний романтизм, академизм, постимпрессионизм, модерн), мастера этого направления были едины в своих представлениях об искусстве как о символе непознаваемых сущностей, мира видений и грез, в своих поисках новых, неаллегорических способов выражения современного эстетического идеала - неуловимых смысловых оттенков и психических состояний. Особенности символизма: суггестивность и многозначность образа, игра метафор и ассоциаций. Символизм возник как реакция на ограниченность позитивистской эстетики, позднего, измельчавшего реализма и натурализма. Под влиянием мистических и спиритуалистических учений, распространившихся под воздействием декадентства, в искусстве символизма формируется новая линия иллюстративности, нарочитой многозначительности и зашифрованности содержания, утрированной экстатичности образов.
СКУЛЬПТУРА (лат. sculpture, от sculpo - вырезаю, высекаю; англ., фр. sculpture, нем. Bildhauerkunst), ваяние, пластика - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют физически материальный, предметный объем и трехмерную форму, размещенную в реальном пространстве. Обычные материалы скульптуры - глина и обожженная глина (керамика - терракота, майолика, фаянс, фарфор и др.), гипс, камень (мрамор, известняк, песчаник, гранит и др.), дерево, кость, металл (бронза, медь, железо и др.). Главный объект скульптуры - человек (голова, бюст, торс, статуя, скульптурная группа); изображения животного мира составляют анималистический жанр скульптуры. В 20 в. средствами пластики иногда воссоздаются природа (пейзаж), предметы (натюрморт); возникла неизобразительная, абстрактная скульптура, использующая нетрадиционные методы и материалы (скульптура из проволоки, надувные фигуры и т. д.). Имеются две разновидности скульптуры: круглая скульптура, свободно размещающаяся в пространстве, и рельеф, в котором объемные изображения располагаются на плоскости. Та и другая разновидности скульптуры разделяются по своему назначению на станковую скульптуру, монументальную скульптуру, монументально-декоративную скульптуру. Технология скульптуры, обычно многоэтапная и сложная, сопряжена с большим физическим трудом. Помимо авторской работы (лепка, резьба, обработка твердых материалов) важную роль в скульптуре играет вспомогательный труд мастеров-ремесленников (рубка камня, формовка, отливка, чеканка и др.).
Ранние формы и виды скульптур существовали у всех народов мира издавна, восходя к первобытному искусству (женские фигуры и рельефы палеолита). Развитые виды скульптуры (гигантские изваяния людей и животных, рельеф, портрет) известны у народов Древнего Востока, Древней Америки. Один из важнейших этапов истории скульптуры - период античности (скульпторы Мирон, Фидий, Поликлет, Прак-ситель, Скопас) с характерными для него идеалами гармонически развитого человека-гражданина, с совершенными методами включения скульптуры в архитектурные ансамбли. Культовая скульптура средних веков в Европе и Азии объединялась с архитектурой в сложные пространственно развитые комплексы. В 15-19 вв. (скульпторы Донателло, Микеланджело, Лоренцо Бернини, Антуан Гудон, Огюст Роден, в России Ф. И. Шубин, М. И. Козловский, И. П. Мартос) Скульптура обретает композиционную свободу, создает разнообразные по психологическим и пластическим концепциям образы человека. В 20 в. скульптуры находят неограниченные возможности обновления ее методов, материалов и функций (мемориальные ансамбли, музеи скульптуры на открытом воздухе и т. д.). Скульпторы 20 в. (Аристид Майоль, Антуан Бурдель, Генри Мур, в России С. Т. Коненков, А. Т. Матвеев, В. И. Мухина, Е. В. Вучетич, Н. В. Томский и др.) значительно расширили круг тем, жанров, изобразительных и выразительных возможностей скульптуры.
СКУЛЬПТОРА МАЛЫХ ФОРМ, мелкая пластика - небольшие произведения, создаваемые скульпторами, изготовляемые художественной промышленностью и народно-художественными промыслами из керамики, металла, кости, камня, стекла или пластмассы и рассчитанные на украшения личного быта. К скульптуре малых форм относятся жанровые статуэтки, настольные портретные изображения, всевозможные виды игрушки, - от народных деревянных и глиняных изделий до промышленной продукции. Центры производства скульптуры малых форм в России - Санкт-Петербургский фарфоровый завод им. М. В. Ломоносова, фарфоровые и фаянсовые заводы в Дулеве, Вербилках, Конакове, Гжели. Известностью пользуются также чугунное литье Каспийского завода на Урале, деревянная резная игрушка с. Богородского Московской обл., глиняная расписная игрушка с. Дымково Кировской обл., костяные изделия мастеров Севера, изделия уральских камнерезов. См. также Мелкая пластика.
СЛЕПОК (фр. moulage), м у-л я ж - точная копия скульптурного оригинала, выполненная механическим способом: с оригинала снимают форму - твердую (гипсовую) или мягкую (восковую, пластилиновую) - и заливают в нее гипс, синтетическую массу и т. п. Слепок используются в музейных экспозициях (Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве был первоначально и частично остался музеем слепков), в качестве учебных пособий, при реставрации и т. д. Слепки часто снимают и с изделий декоративно-прикладного искусства, с медалей, монет, гемм, а также с лиц или рук умерших (иногда живых) людей. См. Маска.
СОЦ-АРТ - одно из наиболее известных направлений искусства 1970-1980-х гг., сложившееся в СССР в рамках т. н. альтернативной культуры, противостоявшей государственной идеологии тех лет. Сформировавшись в нач. 1970-х гг., соц-арт стал своеобразной идейной и эстетической реакцией на тотальное засилье официальной пропаганды в культуре тех лет. Иронически используя и гротескно перерабатывая расхожие символы и лозунги коммунистической пропаганды и агитации, соц-арт развенчивал в игровой, часто эпатирующей форме их истинный смысл, раскрепощая тем самым восприятие зрителя от идеологических стереотипов. Гротеск, ирония, острые подмены и свободное цитирование любых пластических приемов и стилей стали основой его броского, намеренно эклектического художественного языка, во многом совпадавшего с методами бурно развивавшегося в те же годы постмодернизма.
Пародийный термин "соц-арт", буквально обозначавший социалистическое искусство, был рожден основателями движения московскими художниками Виталием-Комаром и Александром Меламидом по аналогии с поп-артом, пародировавшим засилье в капиталистическом обществе рекламных стереотипов материального процветания и обезличивающей массовой культуры. Повальное господство вещевого фетишизма в обществе потребления перекликалось с засильем советского идеологического мифа. Соц-арт не выступал жестко очерченным стилевым направлением с набором обязательных мировоззренческих установок и эстетических догм. Он объединял весьма различных по своей манере авторов, не просто находившихся в оппозиции к официальной культуре, но и разрабатывавших в своем творчесте многослойные составляющие ее образной системы и художественного языка. К кругу соц-арта примыкают на протяжении 1970-х гг. Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, позже - группы "Гнездо", "Мухоморы", Григорий Брускин и др. В кон. 1970-х - нач. 1980-х гт. часть художников эмигрирует в Нью-Йорк, где игровые основы соц-арта пополняются языковым арсеналом постмодернизма. Лавинообразная известность обрушилась на соц-арт в годы "перестройки", когда с кон. 1980-х гг. он выходит на международную художественную арену и становится едва ли не символом этого сложного времени. Однако политическая переориентация общества не только вывела соц-арт на орбиту моды, но и предопределила его закат, т. к. содержательная основа его иронических образов стала неактуальной. Значение соц-арта шире практики его приверженцев. Он одним из первых нарушил языковую замкнутость отечественного искусства, свободно соединив раскованность интернационального постмодернизма с пародией на жесткую заданность советской идеологии и ее художественных догм.
СПЕКТРАЛЬНЫЕ ЦВЕТА - семь цветов солнечного спектра, составляющие вместе при оптическом смешении видимый глазом естественный дневной свет: красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый. Расположение спектральных цветов подчинено строгой закономерности. Каждый спектральный цвет через многочисленные оттенки переходит в соседние цвета. Замыкающие спектр фиолетовый и красный цвета переходят в невидимые глазом ультрафиолетовые и инфракрасные зоны.
СТАНКОВАЯ ГРАФИКА - род искусства графики, произведения которого самостоятельны по назначению и форме, не включены в ансамбли книги, альбома или в контекст улицы, общественного интерьера, как плакат, не имеют прикладного назначения, как промышленная графика. Основные виды станковой графики - станковый рисунок и станковый лист печатной графики (эстамп). Основные формы бытования станковой графики - музейные и выставочные коллекции и экспозиции, развеска на стенах общественных и жилых интерьеров.
СТАНКОВАЯ ЖИВОПИСЬ -род живописи, произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от окружения. Основной формой станковой живописи издавна является картина, отделенная рамой от окружающей обстановки. Предшественниками картины были почти не сохранившаяся древнегреческая станковая живопись на досках (пинакс), иногда на холсте, а также имевшие сакральное значение эллинистические и римские портреты (наиболее сохранившийся вариант их - погребальный фаюмский портрет). С античной традицией поначалу связаны христианские иконы - религиозная станковая живопись; однако в ходе развития живописи средних веков иконы объединяются в монументальные ансамбли алтарных преград, иконостасов и алтарей, получая смысловое и декоративное единство. В 14-16 вв. формируются относительно самостоятельные типы картины, долгое время еще связанные с ансамблем храмовых, дворцовых и домашних интерьеров. Лишь в 17 в. (особенно в Голландии) складываются и в кон. 18-19 в. окончательно вырабатываются нормы собственно станковой живописи , требующие полного погружения зрителя в мир картины и освобождающие ее от дидактических и декоративных функций. В кон. 19-20 в. вновь оживает интерес к монументальным и декоративным качествам станковой живописи.
СТАНКОВАЯ СКУЛЬПТУРА - род скульптуры, одна из важнейших областей станкового искусства:
Станковая скульптура включает различные виды скульптурной композиции (голова, бюст, поясное или трехчетвертное изображение, фигура, группа), различные жанры (портрет, сюжетная, символическая или аллегорическая композиция, анималистика - изображение животного мира). В последние десятилетия 20 в. в скульптуре возникли ранее не свойственные ей жанры - натюрморт и пейзаж (чаще всего в керамической пластике); появились новые формы станковой скульптуры - абстрактные композиции, объекты, находящиеся на грани предмета, технической конструкции и скульптуры. В станковой скульптуре используются различные технические методы - лепка, высекание, резьба, литье, выколотка, ковка, чеканка, сварка, применяются разнообразные материалы - камень, металл, дерево, глина, гипс, керамика, стекло, пластилин, воск, синтетические полимерные составы. В композицию могут также вводиться готовые объекты, заимствованные из бытового окружения или технической сферы.
Станковая скульптура как культового, так и светского характера известна с древности: она была распространена в искусстве Древнего Востока и античности (портрет, вотивная скульптура, мелкая пластика). В Новое время под станковой скульптурой стали подразумевать произведения, предназначенные для выставок, музеев, общественных и жилых интерьеров (в 19 в. возникло понятие "кабинетная скульптура") и для продажи на художественном рынке. Станковая скульптура рассчитана на восприятие с близкого расстояния, не связана с предметным окружением и архитектурой конкретного интерьера, она предполагает продолжительный контакт со зрителем, побуждает его к сопереживанию. Обычный размер станковой скульптуры меньше натуральной величины, равен ей или немного ее превышает. Станковой скульптуре свойственны повествовательность, психологизм, часто используется язык метафоры и символа. В силу относительной независимости от окружающей предметной среды и архитектур ной ситуации, а также благодаря разнообразию и мобильности используемых технических приемов станковой скульптуры может иметь ярко выраженный экспериментальный характер. В ней легко воплощаются новые идеи, всесторонне проявляются особенности индивидуальности автора. В 20 в. станковая скульптура, расширяя свои видовые и жанровые границы, сближается с живописью, декоративно-прикладным искусством, архитектурой и театром.
СТАНКОВОЕ ИСКУССТВО (от "станка", на котором создаются произведения станкового искусства, - мольберт, скульптурный станок) - произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер, свободные от прямых утилитарных функций и не предназначенные для вхождения в ансамбль в качестве его составной и неотъемлемой части. Произведения станкового искусства рассматриваются обособленно от окружения, их значение не меняется от места, где они находятся, хотя условия экспонирования и освещения могут способствовать или препятствовать полному раскрытию их качеств. Развитие станкового искусства впервые стало важным условием расцвета художественной культуры в эпоху Возрождения, с распадом универсальных комплексов, характерных для средних веков, формированием новых типов произведений искусства, рассчитанных на непосредственное, личностное, интимное их восприятие и на новые формы их бытования (общественный и домашний интерьер, коллекция, позже музей). В 17-20 вв. станковое искусство с его психологизмом, многогранностью и богатством нюансов стало основным родом художественного творчества, определяющим его воздействие и общественную роль, в т. ч. связь .с художественным рынком, возможность работы для ценителя и покупателя, а затем и расчет на выставочную и музейную экспозицию.
СТАНОК скульптурный - приспособление для работы скульптора: стол на 3-4 ножках (высоту его можно менять) с круглым или квадратным поворотным щитом, вращающимся на вертикальной оси или на роликах, на котором располагается создаваемое (чаще всего способом лепки) произведение круглой скульптуры. Поворачивая перед собой доску, скульптор получает возможность менять освещение будущего произведения и непрерывно корректировать его выразительность и его восприятие с разных точек зрения.
СТАТУЭТКА (фр. statuette) - вид мелкой пластики, фигура намного меньше натуральной величины ("кабинетный размер"), служащая для украшения интерьера.
СТАТУЯ (лат. statua) - значительное по размерам произведение круглой скульптуры, изображающее, как правило, человеческую фигуру в рост, реже - другие реальные или воображаемые существа (напр., статуя зооморфного божества, статуя животного). Статуя размера настольной скульптуры называется статуэткой, Статуя огромной величины - колоссом; последний термин употребителен лишь в связи с историей искусства. Конная статуя изображает всадника верхом. Статуя - наиболее распространенный тип памятника.
СТИЛИЗАЦИЯ (фр. stylisation, от style - стиль) - 1) декоративное обобщение изображаемых фигур и предметов с помощью условных приемов, упрощения рисунка и формы, цвета и объема. Стилизация - необходимый и естественный метод в декоративном искусстве, плакате, монументальной живописи, силуэтной графике, прикладной графике и других видах искусства, требующих декоративной ритмической организации целого. Особенно важную роль стилизация играет в орнаменте, где фигуры и предметы превращены в мотивы узора. В станковое искусство стилизация вносит черты декоративности;
2) имитация образной системы и формальных особенностей одного из стилей прошлого, использованных в новом художественном контексте. Стилизация обусловлена стремлением освоить и представить в новом качестве своеобразные черты культур, далеких исторически или географически, в отличие от буквального перенесения мотивов в новый художественный контекст (см. Эклектика), С. подразумевает глубокую переработку этих мотивов и сохранение лишь их внутренней сути, являясь знаком, символическим намеком на первоисточник.
СТИЛЬ (лат. stilus, stylus, от греч. stylos - остроконечная палочка для письма на восковых дощечках) - устойчивое единство художественной образной системы, выразительных средств искусства. Уже в латинском языке слово "стиль" имело и более широкое значение - склад речи, слог, манера, особенности письма и т. п. В современной научной терминологии оно имеет обширный диапазон применения - от обозначения индивидуальной манеры художника ("стиль Пуссена", "стиль позднего Рембрандта"), характеристики признаков к.-л. группы памятников или художественного направления внутри исторического периода (геометрический стиль росписей греческой керамики 9-8 вв. до н. э., мягкий стиль поздней готики) до трактовки понятия стиля как суммы устойчивых признаков, характеризующих образную и формальную структуру, свойственную искусству той или иной исторический эпохи (романский стиль, готика, барокко, классицизм и т. д.). Теория стиля как художественно-исторической категории была разработана в кон. 19 - нач. 20 в. Генрихом Вёльфлином и Алоизом Риглем, понимавшими стиль прежде всего как формальную структуру и рассматривавшими смену стиля как один из высших принципов исторического развития искусства. Эта теория внесла системность в изучение стиля и в то же время абсолютизировала его типологические формальные признаки; она не только не исчерпала проблему стиля, но и была искусственно наложена на живой, сложный и противоречивый процесс художественного развития.
Стиль как устойчивая совокупность образных, художественных принципов наиболее отчетливо и последовательно проявляется в те художественно-исторические эпохи и в тех течениях, где исторически сложилась система синтеза искусств, их мировоззренческого и образно-художественного единства. Основой такого синтеза обычно является архитектура, в то время как живопись, скульптура, предметы декоративного искусства подчиняются архитектонике здания, расширяя и обогащая его архитектурный образ (напр., искусство Древнего Египта, романский стиль, готика, барокко, классицизм, рококо, где стилистическое единство выражено очень четко и определяется характером архитектуры). Однако стилистическое единство такого рода оказывается не столь очевидным в те художественно-исторические эпохи, когда изобразительное искусство приобретает самостоятельное, отдельное от архитектуры существование, и их взаимоотношения определяет принцип равноправного развития, а не подчинения, напр. в искусстве античности или Возрождения. Эта размытость стилевых категорий может усугубляться и тем, что в ряде случаев выделяются крупные пласты культуры и местные школы, имеющие ярко своеобразные стилевые черты (александрийская, аттическая, пергамская школы эпохи эллинизма, флорентийская, венецианская, умбрийская школы эпохи Возрождения и т. п.). С возрастанием начиная с эпохи Возрождения роли художественной индивидуальности огромное значение имеет личный стиль мастера, а общие стилистические категории, объединяющие, напр., стиль Рафаэля, Микеланджело и Тициана, становятся очень широкими и суммарными. Даже в пределах стиля, более жестко детерминированного совокупностью формальных признаков, напр. в искусстве барокко, яркая художественная индивидуальность постоянно нарушает эти формальные границы стиля, выходя за его пределы. С 17 в. развитие европейского искусства не подчиняется нормам единого стиля: одновременно существуют, находясь в сложной взаимосвязи, классицизм и барокко. Творчество таких художников, как Диего Веласкес или Рембрандт, не укладывается в рамки ни одного стиля, хотя и соприкасается с ними. В 18 в. почти одновременно развиваются позднее барокко, рококо и классицизм. В искусстве 19-20 вв. стилистическое единство окончательно распадается, и развитие искусства определяется сложным взаимоотношением творческих индивидуальностей и художественных течений (романтизм, реализм, импрессионизм, кубизм, абстракционизм, сюрреализм и т. п.), имеющих свои стилевые признаки. Попытка воссоздания в кон. 19 - нач. 20 в. единого стиля (модерн) дала недолговечные и противоречивые результаты, но послужила толчком для поисков новых вариантов "современного стиля" 20 в. В теории стиля существует тенденция исследования искусства кон. 19 - 20 в. с точки зрения стилевых категорий, придав понятию "стиль" более широкое значение ("стиль эпохи") и определив его как совокупность тех общих черт, которые отличают культуру одной исторической эпохи от другой.
СТУДИЯ (ит. studio - старание, изучение) - 1) помещение (мастерская, ателье) для работы живописца, скульптора, фотографа; 2) самостоятельное учебное заведение для подготовки живописцев и скульпторов (студии Гюстава Моро и А. П. Боголюбова в Париже; студия К. Ф. Юона в Москве и др.); некоторые частные учебные заведения - студии назывались академиями (во Франции 19-20 вв., напр., академии Жюлиана, Сюисса, Колоросси) и школами (в Германии или России - школа Антона Ажбе в Мюнхене, школа-студия Е. Н. Званцевой в Москве и Петербурге); 3) творческая организация и одновременно школа, созданная для реализации определенных художественных задач, объединяющая мастеров по признаку единства идейно-художественных принципов (напр., студия военных художников им. М. Б. Грекова в Москве).
СУПЕРОБЛОЖКА (англ. jacket, фр. jaquette, нем. Schutzumschlag) - обложка из плотной бумаги, надеваемая на переплет книги и закрепляемая на нем с помощью боковых клапанов; обычно отличается декоративностью, броскостью, дает первое впечатление о книге; нередко суперобложка покрывается лаком или прозрачной синтетической пленкой. Суперобложка содержит информацию о книге: частично повторяет титульный лист, либо дает краткую аннотацию книги, рекламное сообщение и т. д.
''СУРОВЫЙ СТИЛЬ'' - обозначение в советской художественной критике направления в советском искусстве кон. 1950-х - нач. 1960-х гг.:
"суровой стиль", оставаясь продолжением традиции сюжетно-тематической картины, резко изменил ее установленное в рамках социалистического реализма содержание. Живописцы "сурового стиля" (Н. И. Андронов, А. В. Васнецов, Г. М. Коржев, В. И. Иванов, П. Ф. Никонов, Т. Т. Салахов) обратились к поэтизации и героизации жизни простых людей, их трудовых будней, подчеркивая энергию, волю и драматизм судьбы своих современников или старших поколений. Для "сурового стиля" характерны монументализированные композиции, обобщенные, лаконичные формы, энергичный ритм, крупные цветовые пятна. Сходные устремления проявились в скульптуре (Д. М. Шаховской, Ю. В. Александров) и графике (И. В. Голицын, Г. Ф. Захаров).
СУХАЯ ИГЛА (англ. dry-point, фр. pointe-seche, нем. Kaltnadel) - вид техники гравирования: рисунок процарапывается иглой на металлической доске. Для сухой иглы характерна особая бархатистость штрихов, благодаря заусеницам ("барбам"). Сухая игла известна с кон. 15 в. как дополнение к офорту, но как самостоятельная техника распространена с 19 в. К технике сухой иглы прибегали Альбрехт Дюрер, Рембрандт, Джеймс Уистлер, советские мастера Г. С. Верейский, Д. И. Митрохин и др.
СФУМАТО (ит. sfumato - затуманенный, дымчатый) - в живописи и графике итальянского Возрождения (от Леонардо да Винчи, разработавшего этот живописный прием) мягкость моделировки, неуловимость предметных очертаний, ощущение воздушной среды как результат богатства и тонкости градаций светотени.
СЮЖЕТ (фр. sujet - предмет; англ. subject) - в изобразительном искусстве событие, ситуация, изображенные в произведении и обычно обозначенные в его названии;сюжет представляет конкретизацию темы, ее композиционную проработку, определение коллизии, характера персонажей и их взаимоотношений; при этом идея и тема произведения находят образное повествовательное раскрытие. Сюжет характерен для произведений исторического, батального, бытового жанров, но элементы повествования, сюжетная завязка могут быть и в произведениях других жанров (в портрете, пейзаже).
СЮРРЕАЛИЗМ (фр. surrealisme - сверхреализм) - направление в литературе и искусстве 20 в., сложившееся в 1920-х гг. Формирование сюрреализма связано с деятельностью ассоциации писателей и художников, возникшей в Париже в 1919 г. и первоначально примыкавшей к дадаизму. В издававшихся объединением журналах "Литература" (1919-1924) и "Сюрреалистическая революция" (1924- 1929) разрабатывалась программа направления. В 1924 г. вышел первый "Манифест сюрреализма", написанный поэтом и идейным лидером движения Андре Бретоном. Сюрреалисты, опираясь на учение Зигмунда Фрейда, считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя в грезах, сновидениях, галлюцинациях, внезапных озарениях, автоматических действиях. В целях достижения глубин подсознания, творящего "сверхреальность", художники изобретали специальные приемы "психического автоматизма", спонтанного формопорождения (случайные блуждания карандаша по бумаге, декалькомания, фюмаж, фроттаж). Сюрреалистическая программа в искусстве осуществлялась в основном по двум направлениям. Макс Эрнст, Андре Масон, Джоан Миро вводили бессознательное начало в творческий процесс: в их живописи преобладают свободно текущие образы, произвольные формы, нередко переходящие в абстракцию. Сальвадор Дали, Рене Магритт, Поль Дельво, Ив Танги, напротив, стремились с иллюзорной точностью, "правдоподобием", воспроизвести ирреальный образ, возникающий в подсознании. Их картины отличаются гладкой, тщательной манерой письма, характерной для академической живописи. Языком фигуративного искусства создается образ немыслимый, невозможный в реальности: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, одна и та же конфигурация расслаивается на несколько изображений, несовместимые объекты сливаются друг с другом, формы сплетаются, скручиваются, выворачиваются. Взгляд, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок. Общие особенности искусства сюрреализма : фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов. Возникнув во Франции, сюрреализм, возглавленный Сальвадором Дали, скоро приобрел международное значение. Время его существования охватывает несколько десятилетий. Интерес к раннему сюрреализму, его идеологии и художественной практике усилился в конце 1960-х гг. в связи с подъемом новой волны авангардизма, а позже с развитием постмодернизма.
